Pourquoi les jambières sont-elles devenues et démodées ?

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J'ai fait une trouvaille très contre-intuitive. Wikipédia dit :

Les jambières étaient courantes jusqu'au IXe siècle environ, date à laquelle elles ont en grande partie disparu. Il n'y a pas beaucoup de preuves de leur utilisation jusqu'au deuxième quart du XIIIe siècle.

Si les chausses les ont rendus obsolètes, pourquoi ont-ils réapparu ? Les chausses ont-elles été préférées pour la flexibilité ? Ont-ils été rendus inefficaces par l'introduction d'épées ou d'armes d'hast plus effilées ?


Les jambières se sont en fait développées à la fin du Moyen Âge en tant que composant de armure de plaques complète. Donc, dans cet exemple spécifique, la "réapparition" des jambières n'était fondamentalement qu'une partie de l'avancement général du courrier à l'armure de plaques. Malgré la dénomination commune, ces cretons plats étaient très différent des protège-tibias des âges sombres ou de l'antiquité. Ce sont plus précisément demi-jambières.

La motivation était bien sûr la meilleure valeur protectrice de la plaque. Pendant la majeure partie du Moyen Âge, la cotte de mailles offrait une protection « assez bonne » tout en maintenant une flexibilité décente. Cependant, au fil du temps, les progrès des armes ont inévitablement érodé leur valeur protectrice.

Les boucliers devenaient de plus en plus petits et plus maniables. Le courrier avait le mérite d'une grande souplesse, et d'une résistance aux coups tranchants. Mais il était vulnérable aux flèches à pointe d'acier et ne pouvait pas résister aux coups écrasants.

France, Jean, éd. Guerre médiévale 1000-1300. Routledge, 2017.

Par conséquent, lorsqu'il est devenu techniquement possible de les produire, les armures de plaques ont rapidement remplacé le courrier pour ceux qui en avaient les moyens. De toute évidence, l'armure de plaques ne pouvait protéger que ce qu'elle recouvrait réellement. Il était donc tout à fait logique que l'armure s'étende vers le bas jusqu'à l'ensemble du pied.

Un autre facteur contributif, mentionné dans la citation ci-dessus, est que les boucliers plus grands étaient généralement tombés en disgrâce à cette période. En raison de leur lourdeur, ils étaient considérés comme plus d'impédance que d'aide sur le champ de bataille. Cela signifiait cependant que le bas des jambes, en particulier pour les troupes montées, était particulièrement vulnérable et nécessite une protection séparée.

En revanche, les boucliers de cerf-volant antérieurs, tels que ceux représentés dans la Tapisserie de Bayeux, étaient beaucoup plus grands et allongés. Cela signifiait qu'ils pouvaient être utilisés pour protéger le bas des jambes.

En fait, ce n'était pas la première fois que les boucliers affectaient l'utilisation des jambières. Dans la Rome antique,

Dans l'ensemble, l'armure romaine du premier siècle avant notre ère n'était pas très différente de l'armure grecque antique; seul le bouclier différait de manière significative… la forme du bouclier et sa taille accrue signifiaient que le porteur n'avait pas à porter de jambières (armure pour le bas des jambes) comme l'avaient fait les Grecs, ce qui entraînait une plus grande liberté de mouvement et, par conséquent, une plus grande vitesse.

DeVries, Kelly et Robert Douglas Smith. Technologie militaire médiévale. Presses de l'Université de Toronto, 2012.


Les tendances de la mode les plus oppressantes à travers l'histoire

Pendant une grande partie de l'histoire, les femmes ont vécu comme des citoyennes de seconde zone. Les femmes américaines n'ont obtenu le droit de vote qu'au vingtième siècle. Pas plus tard que dans les années 1970, une femme pouvait se voir refuser une carte de crédit à moins qu'elle ne porte la signature de son mari. La liberté dont nous jouissons aujourd'hui est une chose assez récente que nos grands-mères vivaient à une époque avec moins de droits, et les générations qui les ont précédées l'avaient encore pire.

En plus d'avoir moins de droits légaux, les femmes dans le passé avaient également moins de choix de mode. Pas plus tard que dans les années 1940, les femmes pouvaient être arrêtées pour avoir porté des pantalons en public, car elles étaient considérées comme des vêtements pour hommes. Aujourd'hui, les femmes ont beaucoup plus d'options pour porter des vêtements à la fois confortables et exprime son style personnel. Les options historiques, cependant, étaient assez limitées – et souvent oppressantes. Certaines des modes auxquelles les femmes ont été soumises tout au long de l'histoire ont été inconfortables, restrictives et carrément dangereuses. Dans certains cas, les tendances historiques de la mode pourraient même être mortelles. Voici quelques-unes des tendances de la mode les plus oppressantes qui ont existé à travers l'histoire.


Corsets à la mode : une histoire complète

Vous êtes-vous déjà demandé à quoi ressemblait le corset à travers l'histoire ? Découvrez le guide complet des corsets à la mode, dès 1600 avant JC.

Les corsets ont une longue histoire au sein de l'industrie de la mode. Porté depuis des centaines, voire des milliers d'années, le corset n'a pas seulement été utilisé pour des raisons pratiques, mais aussi comme une déclaration de mode. Poursuivez votre lecture pour découvrir l'histoire du corset à la mode, depuis les tout premiers exemples jusqu'au 21ème siècle…

Le premier corset enregistré…

Le premier exemple connu de corset porté à des fins de mode remonte au peuple minoen, en Crète, en Grèce. Des images peintes sur des poteries anciennes montrent des hommes et des femmes portant des ceintures ajustées autour de la taille, complétées par des gilets avec des anneaux ou des sangles en cuir. Les ceintures et les gilets sont peints en or et sont le point central créant une déclaration de mode accrocheuse.

Le XVe siècle…

Bien que nous comprenions que les corsets pourraient avoir été portés dès 1600 avant JC, à partir du XVe siècle, nous avons de meilleurs enregistrements du type de corsets à la mode. Au XVe siècle, un vêtement semblable à un corset appelé «cotte» a été popularisé pour la première fois en France. Le cotte avait une forme similaire aux corsets que nous connaissons aujourd'hui, mais il ne couvrait pas beaucoup le buste et présentait un décolleté carré avec de larges bretelles pour révéler le haut du buste et les clavicules.

Les corsets sont devenus plus révélateurs au XVe siècle. Agnès Sorel, maîtresse de Charles VII de France a changé l'histoire du corset lorsqu'elle a porté une robe à la cour de France qui exposait ses seins. Une tendance a commencé, et les femmes françaises ont commencé à ouvrir leurs corsets pour révéler leurs seins. Un peu plus tard, une autre tendance a commencé - montrer le bas du dos, et donc les femmes portaient des corsets courts et découpaient leurs robes pour l'afficher.

Le XVIe siècle…

Au XVIe siècle, la mode de la taille fine s'est encore accrue, lorsque Catherine de Médicis a interdit les « tailles épaisses » à la cour. Cela signifiait que les femmes riches en vue du public devaient porter des corsets à tout moment. Les corsets du XVIe siècle étaient lacés devant et derrière, avec un panneau décoratif appelé « stomacher » pour dissimuler les lacets.

En Espagne au XVIe siècle, les corsets utilisaient une tige en bois ou en os appelée « busc » à l'avant, qui créait une forme plate. En Angleterre, le « Tudor Corset » utilisait des couvre-corsets en fer, alors qu'en Allemagne et en Italie, un style moins rigide était préférable.

Les corsets de cette époque étaient conçus pour aplatir la taille et remonter les seins. Beaucoup avaient des bretelles et des rabats à la taille. Ils étaient portés à côté d'un «farthingale» qui maintenait les jupes dans une forme rigide. Les corsets n'étaient pas cachés sous des couches supplémentaires, ils étaient plutôt portés fièrement et fabriqués à partir de beaux tissus avec des motifs et des garnitures.

Le XVIIe siècle…

Tout au long du XVIIe siècle, les corsets étaient principalement fabriqués à partir de lin, avec des roseaux ou des os de baleine pour ajouter de la structure. À l'époque, il était à la mode d'avoir un buste proéminent, et les corsets aidaient donc à accentuer cela et à mettre davantage l'accent sur le décolleté.

Les corsets étaient parfois portés avec des manches attachées et les styles deviennent très décoratifs. La dentelle était largement utilisée sur les corsets du 17ème siècle, et certaines femmes ajoutaient même des rubans supplémentaires pour améliorer davantage le style. La forme du corset à cette époque comportait un busc long et pointu et les styles étaient généralement lacés à l'arrière, un peu comme les corsets d'aujourd'hui. Un peu plus tard au XVIIe siècle, les corsets sont brièvement tombés en désuétude et les robes désossées sont devenues populaires, et il est peu probable que les femmes aient porté une robe désossée en plus d'un corset.

Le XVIIIe siècle…

La mode pour une taille fine s'est encore développée au XVIIIe siècle, avec une demande accrue pour une forme resserrée. Pour cette raison, les corsets étaient fabriqués à partir de matériaux rigides utilisant des os de baleine ou de la canne comme support. Le style du 18ème siècle était taille basse et coupé étroit à l'arrière et large à l'avant. Les corsets avaient des bretelles, et la mode était d'utiliser les bretelles et le corset pour tirer les épaules en arrière jusqu'à ce qu'elles se touchent presque.

Les corsets avaient généralement des languettes, qui étaient faites en faisant des coupes du bord inférieur jusqu'à la ceinture. Cela a donné plus de place aux hanches, tout en tirant sur la taille et en poussant le buste vers le haut. Les corsets très décoratifs étaient encore à la mode, utilisant du brocart de soie et des garnitures dorées. Vers la fin du 18ème siècle, les corsets ont commencé à devenir plus courts et les tours de taille sont devenus plus hauts.

Le XIXe siècle…

Les corsets longs et plus courts étaient portés au XIXe siècle et étaient faits de satin, de coton ou de soie. Les corsets étaient souvent offerts en cadeau aux femmes par leurs maris. Certains corsets du XIXe siècle utilisaient jusqu'à 60 os de baleine pour créer l'illusion d'une taille minuscule.

C'est à cette époque que le busc à fermeture frontale a été introduit en 1848, ce qui a permis pour la première fois aux femmes d'enfiler leur corset facilement par elles-mêmes. Le nouveau busc présentait des courbes douces pour suivre les lignes naturelles du corps.

Le 20ème siècle…

Au début du 20e siècle, l'accent a été mis sur la création d'une petite taille et les femmes ont plutôt voulu minimiser leur ventre et leurs hanches. Pour cette raison, les styles de corsets ont radicalement changé et le tout premier corset sous la poitrine a été introduit. La taille du corset était juste au-dessus de la taille naturelle, et les corsets étaient coupés longs et droits dans le corps. Les styles sont devenus très longs et se terminaient souvent à mi-cuisse. Les styles de corsets étaient simples car ils étaient désormais portés sous les vêtements et discrètement. Dans les années 20, les formes plus décontractées et les lignes droites sont devenues populaires. Les robes à clapet signifiaient qu'une forme garçonne était souhaitable, et les corsets ont donc un peu changé afin d'affiner au maximum les hanches et les cuisses. Les corsets de cette époque étaient portés sous les vêtements et attachés à l'avant et à l'arrière. Une variété de styles sont devenus disponibles, tels que le « corset de sport » et les « bas de hanche ».

Dans les années 30 et 40, les corsets étaient encore longs, mais ont commencé à inclure des soutiens-gorge intégrés. Connu sous le nom de corset complet, ce style était encore porté discrètement sous les vêtements. À partir des années 50, la mode a commencé à changer à un rythme rapide, et cela a vu le corset devenir davantage un vêtement spécialisé, au lieu d'être porté comme une pièce essentielle de tous les jours.

Aujourd'hui, les corsets sont encore portés par les passionnés. Bien qu'ils ne soient pas considérés comme un article de tous les jours, les progrès technologiques et de fabrication signifient que les corsets d'aujourd'hui sont de meilleure qualité que jamais. Au 21e siècle, les hauts de corset sont portés comme vêtements d'extérieur, tandis que les corsets plus traditionnels peuvent être portés comme pièce maîtresse ou comme sous-vêtement pour réduire la taille et apporter un soutien.

Au fil des ans, divers créateurs ont utilisé des corsets dans le cadre de leur collection, des styles plus traditionnels à la réinvention de ce vêtement historique.


9 Quel âge est censé avoir Grace?

Ce que certains nouveaux fans ne réalisent pas, c'est qu'il y a un Bonne sorcière film sorti en 2008, sept ans avant la sortie de la série télévisée. Le film a été un tel succès que Hallmark l'a transformé en sa propre série.

Dans La bonne sorcière film, Brandon et Tara ont dit à Cassie qu'ils se marieraient dans deux ans, juste après la naissance de Grace. Cela signifierait que Grace aurait environ deux ans au mariage. Mais quand ils se marient, Grace a environ cinq ans et est prête pour l'école ! De plus, dans la première saison de La bonne sorcière cinq ans seulement devaient s'être écoulés. Si c'est le cas, comment Grace a 15 ans !


Wisconsin traditionnel à l'ancienne

Aubrey Dodd, mixologue, Badger Liquor

Réimprimé de Cocktails Wisconsin par Jeanette Hurt avec la permission de l'University of Wisconsin Press. © 2020 par le Conseil des régents du système de l'Université du Wisconsin. Tous les droits sont réservés.

1 à 3 morceaux de sucre
2 traits d'amers Angostura, ou autres amers
1 quartier d'orange
1 cerise, de préférence Filthy Cerises
2 oz. Cognac
1 à 2 onces. soda citron-lime, soda aigre et/ou eau de Seltz

VERRE : roches ou à l'ancienne
GARNITURE : quartier d'orange et cerise sur un cure-dent

Placez le morceau de sucre au fond de votre verre à l'ancienne (également appelé verre court ou lowball ou verre à whisky). Dash les amers sur le cube ou les cubes. Ajoutez ensuite le quartier d'orange et la cerise, et le brandy, en mélangeant le mélange jusqu'à ce qu'il devienne un mélange granuleux et granuleux - environ cinq ou six bons écrasements avec un pilon devraient le faire. Et il est important de ne pas embrouiller uniquement la partie fruitée de la tranche d'orange. Ajouter de la glace et garnir de soda citron-lime, de soda aigre et/ou d'eau de Seltz. Pour un bonbon à l'ancienne, utilisez du soda citron-lime.

Pour un aigre à l'ancienne, utilisez un soda aigre tel que Squirt. Pour un soda à l'ancienne, utilisez de l'eau de Seltz et pour une presse à l'ancienne, utilisez une moitié de soda et une moitié de soda citron-lime. Garnir d'un autre quartier d'orange et d'une cerise sur un cure-dent.

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L'histoire du parc d'attractions Knott&aposs Berry Farm

Janey Ellis |

Cette année marque le 100e anniversaire de Knott's Berry Farm et c'est le moment idéal pour réfléchir à l'histoire unique de la ferme. C'est une histoire incroyable de travail acharné et d'accidents heureux qui ont abouti au premier parc à thème des États-Unis.

En décembre 1920, la famille Knott a conduit sa Ford modèle T du centre de la Californie à Buena Park pour un nouveau départ avec le cousin de Walter Knott, Jim Preston, un cultivateur de baies expérimenté. Ensemble, ils ont loué des terres à William H. Coughran et Walter ont commencé à cultiver des baies.

Photo publiée avec l'aimable autorisation des archives du comté d'Orange

Malgré un gel qui a tué la première récolte de Walter, il a persisté et, en 1923, a pu construire un stand en bordure de route sur Grand Avenue, vendant ses baies. Grâce à un travail acharné, la famille Knott a pu acheter son terrain en 1927 et construire une maison l'année suivante ainsi qu'un Berry Market permanent qui a remplacé le simple stand en bordure de route. À côté du marché, il y avait une pépinière pour vendre des plantes et même un petit salon de thé où la femme de Walter, Cordelia, vendait des sandwichs, des confitures et des tartes à base de baies de la ferme. Ils l'ont appelé Knott's Berry Place.

Photo publiée avec l'aimable autorisation des archives du comté d'Orange

La Grande Dépression s'est emparée de l'Amérique en 1929, ce qui a fait chuter les prix des terres, et même si la famille Knott arrivait à peine à joindre les deux bouts, Walter a doublé ses efforts, achetant plus de terres pour agrandir sa ferme.

Au milieu de la Grande Dépression, Walter se faisait un nom avec ses baies, et en 1932, un homme du nom de George M. Darrow entendit parler d'une baie supérieure qui aurait été créée par un « M. Boysen. Darrow a pensé que Walter connaîtrait ce M. Boysen en raison de leur intérêt mutuel pour les baies, mais Walter a admis que non, mais a suggéré qu'ils recherchent Boysen dans l'annuaire téléphonique. Cela les a conduits à Rudolph Boysen à Anaheim. Boysen a admis avoir expérimenté les baies, mais les a laissées sur son ancienne propriété. Ensemble, les trois hommes ont trouvé le plant de baies oublié depuis longtemps de Boysen dans un fossé couvert de mauvaises herbes et sans baies. Boysen a déclaré que la plante était un croisement entre une framboise rouge, une mûre et une mûre de Logan. Après avoir obtenu l'autorisation des nouveaux propriétaires, Walter a ramené des boutures à Buena Park pour les planter et les cultiver. Un an plus tard, Walter avait une surprise bienvenue : des baies massives ! En 1934, Walter avait suffisamment de boutures et de baies pour introduire la nouvelle baie de Boysen en tant que produit commercial et Cordelia a incorporé la nouvelle baie dans le menu de son salon de thé. Les baies, les confitures et les tartes ont été un succès instantané! Cette nouvelle baie n'avait pas de nom et, alors que les amis de Walter lui ont dit qu'il devrait lui donner son nom, il a plutôt choisi d'honorer le créateur de la baie et l'a surnommée la baie de Boysen.

La famille Knott a traversé la Grande Dépression, mais en 1934, Cordelia a eu une idée qui allait tout changer. Un soir de juin, Cordelia a préparé huit dîners de poulet frit pour ses invités du salon de thé. Servi avec une salade avec de la rhubarbe, des biscuits, des légumes, une purée de pommes de terre avec de la sauce et une tarte aux baies sur la porcelaine de mariage de la famille, le dîner a coûté 65 cents. Walter a rappelé que le moment était «le tournant de notre vie économique». C'était vraiment le tournant qui allait transformer une ferme en parc à thème.

La nouvelle de ce délicieux poulet frit s'est répandue et les gens ont rapidement afflué vers la petite ferme et le salon de thé de Buena Park. La petite salle à manger accueillait à l'origine 20 places, et en 1935, ils l'ont agrandie à 40, pour devoir l'agrandir à nouveau l'année suivante pour en accueillir 70. Le petit salon de thé de Cordelia était devenu un restaurant à part entière et lorsqu'ils ont été agrandis pour accueillir 350 personnes, ils pensaient que les gens n'auraient plus à attendre, mais ils l'ont fait !

En 1939, pour tenter de donner quelque chose à faire aux personnes qui attendaient, Virginia, la fille de Walter et Cordelia, a mis en place une table à cartes avec de petits cadeaux à vendre. Au fur et à mesure que le restaurant grandissait, l'entreprise de Virginia s'agrandit, recevant sa propre boutique de cadeaux qui est toujours là aujourd'hui.

Il n'était pas rare que des invités affamés attendent plus de trois heures pour une table et bientôt un haut-parleur a été installé. Mais à part parcourir les offres de Virginia, qu'y avait-il à faire pendant la longue attente ? Walter se mit à proposer quelques idées. Il a commencé avec des boîtes à musique anciennes, puis il a construit un jardin de rocaille avec une cascade en utilisant la roche volcanique de la Vallée de la Mort. Il a construit une petite scène avec une meule historique et une roue hydraulique avec un panneau encourageant ceux qui attendaient à chanter "Down by the Old Mill Stream". À côté, il a ajouté une reconstitution de la cheminée de George Washington de Mount Vernon. La cascade, la scène de la meule et la cheminée se trouvent toujours à la ferme, située derrière le marché du Berry. Il a ensuite construit un petit volcan pour obstruer un tuyau qui était « conduit » par un petit diable faisant tourner une manivelle. Il a ajouté une ruche d'abeilles, du bois pétrifié, des roches fluorescentes qui brillaient sous la lumière noire – tout ce qu'il trouvait amusant, il pensait que d'autres le feraient aussi.

Photo gracieuseté de jericl Flickr

Inspiré par sa mère et son voyage en Californie dans un wagon couvert en 1868, Walter a décidé d'aller encore plus loin avec ses idées. Cette fois, il construirait une ville fantôme pour divertir les clients avides de volaille. En 1940, la construction a commencé sur ce qui allait devenir la rue Main. Walter était à la recherche de tout ce qui se passait dans le Far West, achetant des morceaux de vieux bâtiments, des poussettes, des outils, etc. Il les a utilisés pour construire un saloon, un bureau de shérif, un bureau d'analyse, un salon de coiffure et bien plus encore ! La pièce maîtresse était le Gold Trails Hotel, construit à partir de pièces d'un ancien hôtel de l'Arizona. Le Gold Trails Hotel n'était pas du tout un hôtel - il abritait plutôt un cyclorama d'un wagon couvert et racontait l'histoire des pionniers de l'ouest. Les gens qui attendaient leurs tables étaient tellement enchantés par Walter's Ghost Town que le système de haut-parleurs a dû être étendu pour les rappeler pour leur réservation de table.

Avant qu'il ne s'en rende compte, la ville fantôme de Walter avait développé sa propre vie et les gens venaient juste pour visiter la ville fantôme. Walter a embauché une variété d'acteurs pour peupler sa fausse ville occidentale et amuser les invités. Avec l'aide créative du designer et peintre Paul Von Klieben, Ghost Town s'est agrandi avec des bâtiments colorés et amusants. Le sculpteur Claude Bell a également aidé à peupler Ghost Town avec des statues en béton, dont Handsome Brady et Whiskey Bill, ainsi que les charmantes danseuses Marilyn et Cecelia. Les deux paires sont devenues un lieu de prédilection pour tous ceux qui visitent et continuent de l'être aujourd'hui.

Photo publiée avec l'aimable autorisation des archives du comté d'Orange

En 1947, Walter a nommé son entreprise en expansion Knott's Berry Farm et, la même année, Pan for Gold est arrivé. Encore une attraction populaire aujourd'hui, les invités pouvaient prendre une casserole comme les mineurs en 1849 pour tamiser et rapporter de l'or véritable. Le Wagon Camp a rapidement suivi et est devenu un lieu de premier choix pour le divertissement gratuit des artistes country et occidentaux.

Photo publiée avec l'aimable autorisation des archives du comté d'Orange

Les années 1950 ont vu une expansion massive de Ghost Town avec l'ajout du Calico Saloon, du Ghost Town & Calico Railroad (le dernier chemin de fer à voie étroite en activité en Amérique) et de l'école. Alors que de nombreux bâtiments de Ghost Town ont été créés, l'école était une véritable école construite en 1879 et transférée à la ferme du Kansas. Le cimetière de Boot Hill a également été ajouté ainsi que le Bird Cage Theatre, dont la façade est une réplique de celle de Tombstone, en Arizona. En 1954, la Bird Cage a ouvert ses portes pour des représentations de vaudeville et de mélodrame où Steve Martin et Dean Jones ont fait leurs débuts. Et avant la fin de la décennie, la cabane hantée a été ajoutée au parc.

Photo gracieuseté de jericl Flickr

Les choses ont vraiment bougé lorsque Wendell « Bud » Hurlbut est arrivé à la ferme. Hurlbut a conçu et construit des manèges et a été invité à devenir concessionnaire à la Ferme avec son carrousel historique Dentzel et, plus tard, un petit tour en voiture. L'amitié de Hurlbut avec Walter Knott a grandi et, avec beaucoup de confiance et un accord de poignée de main, Hurlbut a construit deux attractions qui élèveraient la ferme vers de nouveaux sommets, le Calico Mine Ride et le Timber Mountain Log Ride. Hurlbut et une équipe incroyable ont créé le Calico Mine Ride avec de merveilleuses cavernes de beauté ainsi que des mineurs rugueux et dégringolés d'autrefois, qui a ouvert ses portes en novembre 1960. Le trajet était également le premier à comporter une file d'attente cachée, qui a est devenu un standard dans la conception de parcs à thème.

Photo gracieuseté de jericl Flickr

Alors que Ghost Town continuait de s'étendre, Walter n'a jamais faibli dans sa passion pour les attractions basées sur l'histoire et l'éducation. Il a apporté l'énorme Western Trails Museum de Marion Speer, le musée des miniatures de la famille Mott, un musée de la boxe dans la grange du pugiliste Jim Jeffries, et bientôt il ajoutera un autre élément éducatif massif, une réplique exacte de l'Independence Hall. Hurlbut et d'autres de la ferme se sont rendus à Philadelphie pour photographier, mesurer et prendre de nombreuses notes sur chaque détail. Hurlbut a même pris un rasage de l'intérieur de la Liberty Bell afin que Walter puisse recréer la cloche jusque dans le matériau. Independence Hall a ouvert ses portes le 4 juillet 1966 en grande pompe et est encore aujourd'hui une source d'inspiration et d'éducation.

En 1967, la plus jeune fille de Walter et Cordelia, Marion, a commencé à aider son père dans les opérations de Ghost Town. Depuis 1941, les clients pouvaient entrer et sortir de la ville fantôme, se promener dans la région gratuitement, ne payant que s'ils souhaitaient monter ou acheter quelque chose. Pourtant, en 1968, il a été décidé de clôturer le parc et de facturer un droit d'entrée d'un dollar.

L'année suivante, Marion a annoncé que Knott's Berry Farm s'agrandirait, mais dépasserait l'idée d'une simple ville fantôme. Inspiré par l'époque du début de la Californie, le nouveau terrain à thème de Knott a été surnommé Fiesta Village. Alors que la planification de Fiesta Village était en cours, le 11 juillet 1969, le Calico Log Ride (maintenant Timber Mountain Log Ride) a ouvert ses portes, le premier tour de canal en bois aux États-Unis, avec la star du cow-boy John Wayne en tant que maître de cérémonie.

Photo publiée avec l'aimable autorisation des archives du comté d'Orange

Avec le succès de Fiesta Village et de Calico Log Ride, Marion a cherché à ajouter une autre zone thématique pour agrandir le parc et a opté pour un thème gitan, en appelant la nouvelle zone Gypsy Camp. Gypsy Camp a ouvert ses portes le 28 mai 1971 et les invités ont exploré les grottes pour trouver un magasin de magie, une arcade, se faire fortune et écouter de la musique de musiciens vêtus de couleurs vives depuis une scène extérieure construite au-dessus des grottes. Le Wagon Camp en plein air de Ghost Town s'est avéré trop petit et rustique pour attirer de grands artistes, alors Marion a ajouté le John Wayne Theatre au Gypsy Camp. Le nouveau théâtre de 2 150 places offrait un magnifique lieu intérieur et a même accueilli la première du film de Wayne Big Jake le 19 juin 1971. Au fil des ans, d'innombrables artistes sont montés sur scène et des spectacles sur glace ont utilisé son , patinoire. Avec de plus grandes stars remplissant le nouveau John Wayne Theatre, le Wagon Camp est devenu le foyer d'un spectacle de cascades, qui continue de ravir les invités à ce jour.

Photo publiée avec l'aimable autorisation des archives du comté d'Orange

Octobre a toujours été une période creuse au parc, et en septembre 1973, les gens du marketing et du divertissement ont eu une idée qui allait changer Knott's pour toujours - un événement d'Halloween de trois nuits appelé Knott's Halloween Haunt. On a dit aux employés maquillés et costumés de monstres de courir dans la ville fantôme et d'effrayer les invités. La cabane hantée a été transformée en "labyrinthe des monstres". Le Calico Mine Ride et le Log Ride ont également reçu un traitement épouvantable. Un succès instantané, l'événement est revenu l'année suivante et s'est vendu à guichets fermés chaque soir. Au cours de sa troisième année, l'événement a reçu le surnom de "Knott's Scary Farm". Depuis lors, Scary Farm, l'événement d'Halloween le plus ancien dans un parc à thème, s'est étendu pour englober l'ensemble du parc avec 1 000 monstres et plusieurs labyrinthes.

Photo publiée avec l'aimable autorisation des archives du comté d'Orange

Au milieu du succès de Scary Farm, la ferme a perdu sa matriarche, la femme responsable de la transformation d'une petite ferme de baies en une icône du sud de la Californie. Le 23 avril 1974, Cordelia décède à 84 ans.

Entre le succès de Scary Farm et le deuil de Cordelia, Gypsy Camp pataugeait. À la fin de 1974, Marion a annoncé que Gypsy Camp serait réaménagé et transformé en une zone appelée Roaring 20's. Alors que les années 1920 ont peut-être d'abord semblé être un choix étrange, cela reflétait la décision de Walter de construire une ville fantôme du vieil ouest. Marion l'a décrit : « Tout comme la ville fantôme de mon père était un mémorial pour ses parents, nous voulions que notre nouveau quartier soit un mémorial pour maman et papa. Après tout, les années folles étaient leur époque.

La zone Roaring 20s a ouvert ses portes le 6 juin 1975. Dans le cadre du nouveau thème, le John Wayne Theatre a été rebaptisé Good Time Theatre. La nouvelle zone a également été la première incursion de la ferme dans le monde des montagnes russes avec le Corkscrew, les premières montagnes russes modernes à 360 degrés au monde. Des attractions uniques telles que Knott's Bear-y Tales, la Sky Cabin et les Wacky Soap Box Racers suivraient. Avant la fin des années 1970, une deuxième montagne russe a été ajoutée, cette fois à Fiesta Village, avec Montezooma's Revenge.

Photo publiée avec l'aimable autorisation des archives du comté d'Orange

En 1981, après 61 ans de contrôle familial total, la famille Knott a embauché Terry Van Gorder, le premier membre extérieur à la famille à être président et chef de la direction, mais Marion et d'autres membres de la famille Knott sont restés impliqués. À la fin de l'année, la ferme a abandonné ses billets de transport avec coupons pour un trajet tout compris et un billet d'entrée. L'année a connu un autre moment marquant le 3 décembre lorsque, juste une semaine avant son 92e anniversaire, Walter est décédé.

Les années 80 verraient un autre ajout important à Farm, Snoopy et Peanuts Gang. Cependant, leur arrivée au parc remonte en fait à 1960, lorsque l'illustrateur Pete Winters a été chargé de créer une icône de personnage pour Knott's. Le résultat était un vieux prospecteur heureux avec une barbe blanche simplement appelé "The Old Timer" et il est apparu sur divers documents d'employés, carnets de billets, signalisation de parc, et plus encore. En 1973, la ferme a décidé de transformer "The Old Timer" en un personnage de promenade et l'a nommé Whittles. Maladroitement proportionné, Whittles était simplement mieux adapté à la page et non à un personnage réel. "Ça n'a pas marché... Il a fait peur aux enfants", a noté Russell Knott. Ce faux pas n'a pas mis fin au désir de la ferme d'avoir une icône et un personnage de passage et ils ont décidé qu'ils devraient peut-être essayer de sécuriser une icône déjà établie, bien connue et adaptée aux familles.

Photo publiée avec l'aimable autorisation des archives du comté d'Orange

Ron Mizaker a été chargé de trouver et de sécuriser la nouvelle icône et, comme les personnages de la bande dessinée Peanuts de Charles M. Schulz faisaient déjà un travail de parrainage, Mizaker savait qu'il y avait une possibilité pour eux de rejoindre la ferme. Mizaker a rencontré Schulz à Santa Rosa, et à mi-chemin de leur réunion, Schulz a déclaré qu'il devait se rendre à la répétition de patinage sur glace de sa fille à la patinoire appartenant à la famille Schulz, qui se trouvait juste de l'autre côté de la rue. Schulz a invité Mizaker à le rejoindre. Au cours de la répétition, Mizaker a informé Schulz de la patinoire sur la scène du Good Time Theatre et a déclaré: "Ce ne serait pas génial si nous faisions un spectacle sur glace avec Snoopy?" Schulz a aimé l'idée et a demandé "Est-ce que ma fille pourrait être Snoopy?" Mizaker a déclaré qu'ils pouvaient résoudre ce problème et que cela est devenu la base de l'accord pour que le gang des Peanuts rejoigne la ferme. Bientôt, Snoopy et sa compagnie sont arrivés pour rencontrer des invités et, en 1983, Knott's a décidé de donner aux Peanuts leur propre espace à la ferme, agrandissant à nouveau Knott's, pour créer le Camp Snoopy.

Photo publiée avec l'aimable autorisation des archives du comté d'Orange

Alors que les années 80 continuaient, deux nouvelles attractions sont arrivées. La famille Bear-y Tales a quitté la région des années Roaring 20 et a été remplacée par des créatures préhistoriques dans le royaume des dinosaures en 1987. L'année suivante, les histoires d'une créature velue ont amené les gens à explorer et à s'imprégner de Bigfoot Rapids.

Les sensations fortes, le mystère et le plaisir se sont poursuivis dans les années 90. Les montagnes russes Boomerang ont remplacé le Corkscrew l'unique, l'intrigant Mystery Lodge est arrivé et Jaguar a rugi dans Fiesta Village. Les Roaring 20s ont fait l'objet d'une refonte et ont été rebaptisées Boardwalk, rendant hommage au soleil, au sable et à la mer des plages du sud de la Californie. Les invités se sont affrontés dans une autre nouvelle montagne russe, Windjammer, qui a remplacé les Wacky Soap Box Racers en 1997. La même année a également marqué le plus grand changement à la ferme depuis que Cordelia a servi son poulet frit - après 78 ans de propriété familiale, Walter et Cordelia's les enfants et petits-enfants ont vendu Berry Farm de Knott à Cedar Fair.

Pourtant, avant le millénaire, des attractions plus excitantes seraient ajoutées à l'horizon grandissant de la ferme, avec les montagnes russes Supreme Scream, GhostRider et Pony Express, les premières « montagnes russes à vélo » aux États-Unis.

En 2000, pour honorer le créateur des bien-aimés Peanuts, le Good Time Theatre a été rebaptisé Charles M. Schulz Theatre et continue de présenter des spectacles incroyablement amusants, comprenant souvent des membres du gang Peanuts.

Les montagnes russes ont continué à faire leur chemin dans la ferme, Windjammer étant remplacé par Xcelerator et les ajouts de Silver Bullet et Sierra Sidewinder. Mais les vieux favoris n'ont pas été oubliés. En 2013, le Log Ride de Ghost Town a été rénové et rouvert avec de nouveaux personnages animatroniques. Le Calico Mine Ride a emboîté le pas en 2014 et le Camp Snoopy a reçu de nombreux nouveaux ajouts adaptés aux familles.

Vacant depuis 2004, l'espace qui abritait autrefois Knott's Bear-y Tales et Kingdom of the Dinosaurs a accueilli une nouvelle attraction interactive, Voyage to the Iron Reef, en 2015. L'année suivante, un autre ajout incroyablement unique et interactif est arrivé à la ferme, Ghost. Ville vivante ! À l'origine, l'histoire axée sur les personnages et ses nombreux acteurs devait durer un été pour célébrer le 75e anniversaire de Ghost Town, mais il en a résulté une merveilleuse tradition annuelle. For the first time since their construction, you could walk into the charming peek-ins that Walter had developed to entertain those waiting for their tables at Mrs. Knott’s Chicken Dinner Restaurant and participate in your very own wild-west story with the various citizens of Ghost Town. Ghost Town Alive! has returned each summer and continues to charm guests young and old, becoming a delightful attraction itself.

More recently, new thrills arrived with Sol Spin and Hang Time, the first dive coaster in California. Ghost Town continued to receive updates and revamps as well when Big Foot Rapids being transformed into Calico River Rapids linking its storyline to the rest of Ghost Town. And this summer the Bear-y Family returns to the Farm with Knott’s Bear-y Tales: Return to the Fair.

It’s amazing that within one-hundred years a little, leased berry farm has transformed into one of the most popular theme parks in the United States, receiving awards, and winning over the hearts of everyone. Because of its age, Knott’s Berry Farm has a wonderful generational feel to it, where people can walk and enjoy the same sights that their parents and even grandparents enjoyed, while also continuing to experience new and thrilling things. There is certainly something for everyone and who knows what is in store for the next 100 years at Knott’s Berry Farm? Happy Anniversary, Knott’s!

To learn more about Knott’s Berry Farm’s incredibly history, be sure to read Knott’s Preserved!

Knott's Anniversary Ambassador

Janey Ellis is the writer behind the blog Atomic Redhead. There she shares interesting history, places to explore across Southern California and beyond, as well as her take on vintage fashion and home. She is very thankful to also have the wonderful opportunity to share her passion for amusement parks and history on the Knott's Berry Blog.


Menswear

The most significant development in men’s fashion occurred in two unique kinds of trousers: the Oxford bags and the plus-fours. Oxford bags grew in popularity around 1924-25 when undergraduates at Oxford adopted these wide-legged trousers. Though the origin of the style is contentious, it is generally agreed that it derived from the trousers that rowers on Oxford’s crew teams pulled on over their shorts, and you can see how The Bystander satirized this in 1924 (Fig. 2). The original style was about 22 inches wide at the bottom, several inches wider than the average men’s trouser leg. Oxford undergraduates began wearing these around the university and soon the style spread. As the style spread, so too did the width of the trouser legs until at one point they reached up to 44 inches wide. The trousers were made out of flannel and came in a variety of colors. They were mostly worn by youths – perhaps the male counterparts of the flapper – and became a favorite of Britain’s “Bright Young People,” a group of wealthy, aristocrats known for their antics in London’s nightlife.

The other development in menswear in the twenties was the plus-fours. Plus-fours developed out of ordinary knickers – short-legged trousers that gather around the knee – and like Oxford bags were a bit baggier version of their precursor. They had four extra inches of material (hence the name) but instead of extending the trouser leg, they still fastened around the knee and the extra material hung over the band, creating the baggy look as seen at a racecourse in 1920 (Fig. 3). Often worn with a sweater, plus-fours were popular golf attire, but much like how tennis-wear crept into casual womenswear, this style was also popular daywear for men, as was tennis-wear for men, too. You can see the casual way men dressed to play tennis, though some still wore ties in 1920 (Fig. 4).

Fig. 1 - Artist unknown. Fashion Plate, 1920-1939. New York: Costume Institute Fashion Plates. Source: The Met Digital Collections


5 Why Long Hair Became A Thing For Women

While hair trends have fallen in and out of fashion, one thing across cultures and millennia has remained fairly constant: the expectation that women would have long hair. We&rsquove seen it from the depiction of a long-haired Aphrodite to St. Paul&rsquos letter to the Corinthians, in which he wrote, &ldquoIf a woman has long hair, it is a glory to her.&rdquo

Kurt Stenn, author of Hair: A Human History, says that women almost always have longer hair than men. Mais pourquoi?

According to Stenn, a former professor of pathology and dermatology at Yale, hair is highly communicative. It sends messages about sexuality, religious beliefs, and power. In particular, he believes that long hair can communicate health and wealth.

&ldquoTo have long hair, you have to be healthy,&rdquo Stenn says. &ldquoYou have to eat well, have no diseases, no infectious organisms, you have to have good rest and exercise.&rdquo He adds, &ldquoTo have long hair, you have to have your needs in life taken care of, which implies you have the wealth to do it.&rdquo [6]


Lecture recommandée

Down the Rabbit Hole: The Surprising Tale of the Bunny Suit

The Internet Mocked Her as a Teenager. It’s Embracing Her Now.

The Dark Side of Fitness Culture

While sisters (of all ages) have been wearing the same clothes for centuries, mother-daughter dressing didn’t catch on until the early 1900s. The couturière Jeanne Lanvin launched the trend after giving birth to her only child, Marguerite, in 1897, at the then-advaced age of 30. Spotting a gap in the market, she debuted a high-end children’s line in 1908, using the same luxurious textiles and avant-garde styles that characterized her womenswear, albeit simplified for younger tastes and bodies. Marguerite served as her model and mini-me the inseparable pair were often spotted parading around Paris in coordinating couture outfits. A 1907 photo of the two of them in costume for a masquerade ball—complete with matching pointy hats—inspired the house’s stylized, Paul Iribe–designed logo, which is still used on its labels. Years later, Marguerite would confess that she found the attention embarrassing, saying: “As soon as I was dressed up all I wanted to do was hide.”

Lanvin’s creations were too expensive to have a widespread influence, and the Great Depression soon made such conspicuous displays of wealth undesirable, even for those who could afford them. But mother-daughter fashions surged in the late 1930s, partly driven by the Hollywood publicity machine. In 1935, for example, the actress Joan Bennett and two of her daughters posed for press photos in coordinating outfits. Because fashion production and retailing was strictly divided by age group, however, it took time for the trend to reach the mainstream. In July 1938, La vie magazine noted that “not until this summer did the mother-and-daughter custom really become popular.”

La vie nailed the appeal of mother-daughter dressing when it declared: “‘Look Alike’ means ‘Look Young.’” Unlike Lanvin’s kiddie couture, the mommy-and-me looks of the 1940s and ’50s were decidedly girlish, emphasizing the mother’s youthfulness rather than the daughter’s maturity. Dans ses mémoires Mommie Dearest, Christina Crawford remembered posing for publicity photos with her adoptive mother, Joan, in the late 1940s, at the age of 8. “I had to get dressed in one of the many ‘mother-and-daughter’ outfits we were always photographed in … Mother and I would go through the whole day doing things for the camera and changing from one matching outfit to another.” Often, these outfits consisted of ruffled pinafores or skirts with suspenders worn over frilly blouses with puffed sleeves, with matching ribbons in their hair—clothes more appropriate for an 8-year-old than a grown woman. Tellingly, if a woman had more than one daughter, she was advised to twin with the youngest, according to La vie.

As the U.S. economy rebounded, Ladies’ Home Journal—one of the leading women’s magazines in America—had strong ideas about how the country could spend its new wealth. From 1939 into the early 1950s, the magazine published a series of covers illustrated by Al Parker, a contemporary of Norman Rockwell, depicting mothers and daughters in matching outfits engaging in household chores and leisure activities such as baking cookies, riding bicycles, raking leaves, knitting, skiing, and wrapping Christmas gifts. One memorable image portrayed a rosy-cheeked mother and daughter pair, ice skating hand-in-hand above the headline: “Is Society Committing Suicide Today?”

While Lanvin had thoughtfully adapted adult styles for juvenile clients, avoiding exact copies, Parker’s mothers and daughters were identically dressed from head-to-toe, including their hairstyles, coloring, and accessories like aprons, gardening gloves, and roller skates. These covers “were so wildly popular that readers were writing in asking for patterns,” Gordon said. Pattern companies as well as fashion magazines complied, offering mother-daughter sewing, knitting, and crochet patterns similar garments could also be bought ready-made from department stores or the Sears catalogue.

Far from petering out during World War II, the twinning trend only intensified. “During the war, there was an emphasis on the home front and everybody doing their part for the war effort, including daughters helping their mothers at home,” said Gordon. Home sewing was encouraged as a patriotic gesture, and mother-daughter outfits served as a kind of civilian uniform, projecting unity as well as efficiency.

While women entered the workforce during the war, they were put firmly back in their place once it ended during the postwar boom, mother-daughter fashions reinforced the primacy of the domestic sphere. As the large families and multigenerational households of the Victorian era were replaced by the small nuclear family, the mother-daughter bond grew stronger and more performative. “The whole idea of dressing multiple children in matching garments was more of an economic choice,” Gordon said. “But by the mid-20th century, mommy-and-me dressing was promoted as a special, fun thing rather than having a financial impetus. It was something that mothers and daughters could do together—not only wearing but making matching clothes.” A 1949 dressmaking manual, The Complete Book of Sewing, asked: “Why not make ‘mother-and-daughter’ dresses and conduct a family contest that the men of the family can cheer?”

Not everyone cheered such dressing, however. "Ladies’ Home Journal talked about it like it was the greatest thing since sliced bread,” Gordon said. “But there was this undercurrent of people criticizing it. Some designers loathed it.” Helen Lee, one of the leading children’s wear designers of the 1950s and ’60s, called it her “pet peeve,” explaining: “There’s a difference of 20 to 30 years between mother and daughter and in most outfits one or the other will look ridiculous.” Some magazines advised women not to match their daughters exactly, but many did anyway. Even Lee bowed to popular demand and created mother-daughter patterns for McCall’s, Gordon said.

The rise of the working mother in the 1970s effectively halted the mommy-and-me trend. Even women who didn’t work took their fashion cues from those who did, donning sophisticated wrap dresses, trouser suits, and midi skirts by the 1980s, “power dressing” trickled from the boardroom to the street. Lilly Pulitzer—one of the original purveyors of “mother-daughter matching”—shut down in 1984, only to be relaunched in 1993, when the retail market became more receptive to pastel printed sundresses.

Today, it’s once again “cool to be a mom,” Gordon said. Celebrities show off their adorably chic children to thousands of fans on Instagram and on the red carpet, while average parents can resort to Facebook and holiday cards. Fashion designers like Stella McCartney and Michelle Smith of Milly are modern-day Jeanne Lanvins, making public appearances with their children and designing children’s lines alongside adult clothing. Models like Coco Rocha and Cindy Crawford have shared the runway with their daughters.

These days, however, the mommy-and-me looks are usually store-bought. Indeed, with the likes of Gucci, Dolce & Gabbana, and, fittingly, the rebooted house of Lanvin getting into the luxury children’s wear market, they often come with decidedly grown-up price tags. But there are plenty of budget-friendly version, like Target’s recent collaboration with Victoria Beckham, or Drew Barrymore’s new line for Crocs.

Though a few halfhearted attempts to launch father-son fashions in the 1950s never really took off, family fashions have surged in recent years as many dads have become more hands-on. Often focused on holiday dressing, vacation clothes, or sleepwear, these collections—which are diversified enough to accommodate a broad range of ages and genders—offer a less literal interpretation of twinning, one intended for special occasions (or perhaps professional family portraits). Which is to say that “daddy, mommy, all my siblings, and me” might be the new mommy-and-me.


Like Sheep: Why Didn't You Fight?

A survivor's gives his personal answer to this often-asked question.

After the war, many people, especially American Jews, including some members of my own family, asked me why we never fought back. Why, for instance, when the learned, kind Dr. Bloch was being shot, didn't we start a rebellion and try to save him? Why did millions of Jews in Europe go passively to the camps and then to their deaths?

This logical question deserves an answer. When I was first brought to Kamionka, there were Russian prisoners of war whom the German army had captured a few months earlier. To make room for the transport of Jews, some of the Russians were sent to other camps and others were killed. Killing POWs was against the Geneva Convention, but the Germans were beyond abiding by any rules of civilized conduct. They had become utterly savage.

With my own eyes I saw the execution of POWs. Having been raised so close to the Russian border, I understood Russian and listened carefully to what the Russian POWs were saying as they were being selected for death. One man, about forty-five years old, was considered too old for a labor camp and so the Germans decided to shoot him. He stood tall and looked straight into the eyes of the German soldiers: "I have three sons in the Red Army. They are on their way. Remember, you will pay for this." And then the Germans shot him.

There was nothing the Russian could do in the face of many armed German soldiers. Polish soldiers, whose army had been swiftly defeated at the start of the war, faced the same situation. I saw four or five German soldiers control a thousand Polish POWs. Later on in Kamionka, a small number of Germans did whatever they wanted with Russian soldiers, men who had been trained to fight battles. High-ranking officers were reduced to powerless, ordinary men when confronted with the lowliest German soldier and a gun.

When the tide turned and the Germans began losing the war, I beheld the same sight in reverse: hundreds of mighty German soldiers, who only weeks before took life or saved it as their mood dictated, were now herded about passively by a few Russian soldiers with weapons.

These soldiers had all been trained to fight, to use firearms, to survive under the harshest conditions. If they could not resist imprisonment, how were we Jews &ndash a civilian population, with little or no firearm experience and no weapons, a tribe of merchants, artisans, scholars, women and children, all weak from starvation and exhaustion &ndash able to rebel against a well-equipped army? If you are under the gun, there is little you can do.

Certainly, there were a few, wonderful exceptions. The Warsaw Ghetto uprising, the first of its kind among a civilian population in Poland, is the most famous. Even in Warsaw, however, organizing to fight did not take place when there had been half a million Jews in the ghetto. Only when almost the entire ghetto had been liquidated and death was at hand did a few thousand remaining residents &ndash right-wingers, leftists, Bundists, religionists, atheists, Jews of every political and religious stripe &ndash band together, under the leadership of Mordechai Anielewicz, to fight since they knew their days were numbered. They realized they would not be able to beat the German army. But if they were going to die, they would at least take some Germans with them.

Those of us in Kamionka who were young and still strong would have been more than willing to fight in an organized fashion if we thought we had the slightest chance of making a difference. For months after learning of the German defeat at Stalingrad, we waited for partisans who were rumored to be in the vicinity. It would have been a great honor, a tremendous opportunity, to join them, to fight to save the lives of innocent Jews and non-Jews under German occupation. We had heard that the partisans liberated a camp not far from ours. Many Jews had joined their ranks immediately. In the end, though, the partisans did not come near Kamionka until the camp had already been liquidated.

One night in April 1943, Ladovsky, Rebel's Jewish chauffer, came into my barracks and woke me up. He had just returned from Warsaw with Rebel where they had gone to purchase supplies. In Warsaw Lasovsky had heard about, and actually seen, the uprising during its second day.

"Jews," he told me, "are killing Germans! I saw it with my own eyes, German blood being spilled!"

"Thank G-d I lived to see the day," I said to him and jumped off my bunk.

The two of us began to sing and dance, crying and laughing, beside ourselves with joy. After two days of successful fighting, Mordechai Anielewicz said that killing German soldiers proved that they, too, were vulnerable, that the Germans were not invincible. Like Jews, they could bleed, and this resistance saved Jewish honor. Of course, within a few weeks the Germans had overrun the ghetto, killing almost everyone inside, and shipped the survivors to the death camps. But the thought of Jews defending themselves thrilled us beyond description. Even though we knew there were Jewish soldiers fighting in the Allied armed forces, we had become accustomed to feeling helpless under German occupation.


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